20. Melancholia de Lars von Trier

A croire qu’il n’y pas d’amour heureux chez Lars von Trier. Ou alors qu’il préfère l’envoyer valdinguer. Entre son histoire avec le Festival de Cannes (qu’il a détruit d’un coup de blague de mauvais goût) et le mariage de Kirsten Dunst et Alexander Skarsgård qu’il préfère voir se déliter en moins d’une nuit, difficile de penser autrement. Si la première partie de son film, malgré un prologue à la beauté picturale saisissante, en a perdu plus d’un, la seconde, variation brutale et ténébreuse sur la fin du monde est d’une beauté abyssale.

19. Une Séparation d’Asghar Fahradi

Subjuguant de bout en bout, Une séparation prouve une nouvelle fois la verve toute tchekhovienne du cinéma d’Ashgar Farhadi, qui aime à se pencher sur les conflits moraux entre individus. Et vu le véritable succès populaire du film, en salles et en festivals, et les longues semaines passées à l’affiche, on se dit que le cinéma iranien s’est trouvé un nouveau porte-parole.

18. Pina de Wim Wenders

Fruit d’une étroite collaboration entre le cinéaste et la chorégraphe qui ont tous deux fait de Wuppertal leur fief artistique, Pina est un sublime hommage à l’un des piliers de la danse contemporaine, décédé avant que le film ne voie le jour. Premier film d’auteur en 3D, son travail de l’espace laisse penser que les nouvelles technologies cinématographiques ont encore de belles surprises à nous offrir, et pas toujours dans les blockbusters hollywoodiens.

17. Les Aventures de Tintin : Le Secret de la Licorne de Steven Spielberg

Avec Les Aventures de Tintin : le Secret de la Licorne, première partie d’un diptyque co-réalisé avec Peter Jackson (excusez du peu !) consacré au célèbre reporter, Spielberg nous fait plonger dans un univers visuellement bluffant où, après Avatar, la motion capture continue de montrer qu’elle est une technologie avec laquelle il faudra compter. La démonstration n’est cependant pas que technologique, elle est aussi narrative et dans la mise en scène. Après quelques ratages comme l’inutile Indiana Jones 4 ou l’insignifiant Terminal, un tel retour en force du maître Spielberg est franchement réjouissant. Inutile de dire qu’on attend donc aussi bien la suite par Peter Jackson.

16. Les Géants de Bouli Lanners

Les Géants est l’un de ces films dont on n’attend rien et qui au final nous apporte beaucoup. Charmante ode à la liberté, le film est également un road trip initiatique dans les vertes vallées du plat pays assez nostalgique. Et c’est également cette mélancolie qui nous prend en repensant à nos vieille copies des aventures de Tom Sawyer et Huckleberry Finn et au temps où, nous aussi, on se voyait bien voguer seuls et libres au fil de l’eau. Coup de coeur complété par la B.O à la folk toute Dylanienne de The Bony King of Nowhere.

15. Beginners de Mike Mills

Sous ses allures de film indé américain comme on en voit plein, Beginners est pourtant l’un des plus touchants de l’année. Dans cette atmosphère douce et feutrée, la rencontre entre Ewan Mc Gregor (plus merveilleux que jamais) et Mélanie Laurent (attachante, une fois n’est pas coutume) est tout simplement poétique. N’oublions pas l’extraordinaire Christopher Plummer dont le rôle nous fait comprendre que l’on peut se découvrir soi-même à tout âge.

14. Rango de Gore Verbinski

Qui aurait cru qu’en 2011 le western retrouverait ses lettres de noblesse grâce à un film d’animation et à un caméléon pas comme les autres ? Gore Verbinski assurément! Habitué au blockbuster à base de flibustiers, on attendait sûrement pas l’américain en résistant à l’ogre-envahisseur Pixar. Et c’est pourtant lui qui, face à un Cars 2 très décevant, livre le film d’animation le plus original et le plus visuellement bluffant de l’année. Azymuté, mythomane, tragédien, inspiré, survolté, bavard, référencé, intelligent et drôlissime, y’a pas de lézard, Rango c’est à voir.

13. Intouchables de Eric Toledano & Olivier Nakache

C’est tout simplement le carton de l’année, certes, mais même celui d’une vie, puisqu’après le pourtant navrant Bienvenue chez les ch’tis, Intouchables a dépassé en nombre de spectateurs l’indéboulonnable Grande Vadrouille. A ce compte là ils frôlent déjà les 18 millions de spectateurs, et ce n’est pas fini ! L’histoire vraie de cette relation particulière et touchante entre un tétraplégique et un jeune homme des cités un peu paumé a réussi à être drôle tout en restant juste. Bourré de répliques déjà cultes grâce au désormais incontournable Omar Sy, Intouchables est une réussite sur tous les plans.

12. Tomboy de Céline Sciamma

Si Tomboy est une réussite, c’est dans la simplicité employée à traiter d’un sujet qui pourrait facilement être complexe et surtout casse-gueule (une petite fille se faisant passer le temps d’un été pour un petit garçon auprès de ses nouveaux camarades…). Film lumineux, intelligent et bouleversant, il prouve une fois de plus que les réalisatrices ont décidément leur mot à dire dans lecinéma français.

11. Super 8 de J.J Abrams

Avec Super 8, JJ.Abrams pourra jusqu’à nouvel ordre se vanter d’avoir créé le plus bel hommage qui pouvait être fait au cinéma de Steven Spielberg. Le casting (parfait) de la petite bande d’apprentis réalisateur emmené par Elle Fanning et Joel Courtney nous embarquent avec eux dans une chasse au monstre, mais surtout au mystère. On sort de ce grand spectacle made in eighties des étoiles plein les yeux et de la nostalgie plein la tête.

Etrange projet utopique que celui de ces dix-sept lycéennes qui, pour échapper à la morosité de la vie qui les attend, décident toutes de tomber enceinte en même temps avec pour idée d’élever ensemble leurs enfants… En transposant à Lorient (ville dont elles sont originaires) un fait divers réel survenu aux Etats-Unis, les deux réalisatrices ont su déceler tout ce que cette histoire pouvait avoir de proprement cinématographique.

Car bien loin de vouloir accabler leurs personnages ou de vouloir donner une leçon de morale, elles gardent par rapport à leur sujet toute la distance nécessaire pour conserver ce mystère quasi-insondable propre à l’adolescence. Ces jeunes filles en fleur ont des rêves pleins la tête pour ne pas devenir ce que leurs parents, qu’elles regardent avec une certaine empathie, sont devenus. Ces adultes qui face à elles et à leur choix sont complètement désemparés, et ne les comprennent pas, même s’ils essayent. En voyant ces filles-mères qui ne feront pas d’études, certains parlent de régression féministe, d’autres convoquent le droit des femmes de disposer librement de leur corps… Mais, plus que ces questions proprement terre-à-terre, il respire comme un doux parfum d’inconnu dans ce film qui prend tous les atours d’une chronique sociale et dans laquelle, pourtant, règne une ambiance presque surnaturelle.

L’autre réussite du film tient dans la façon dont les deux sœurs filment ce récit à hauteur d’adolescence. Avec une réelle légèreté, la caméra filme leurs corps (et toutes les potentialités qu’ils recèlent) bercés par la douce et froide lumière bretonne, dans une image délicatement granuleuse, et une ambiance tendrement langoureuse qui nous fait parfois penser au Virgin Suicides de Sofia Coppola.

Pour donner vie à dix-sept jeunes filles, les réalisatrices ont fait appel à un casting d’actrices (dont on a déjà vu quelques têtes par-ci par-là) qui insufflent à leurs personnages toute la désinvolture de leur rébellion et en même temps toute l’importance qu’elles donnent à ce geste. Et retranscrivent avec un naturel touchant les tourments comme les émerveillements adolescents.

Dans sa simplicité, 17 Filles a tout du beau film social et romantique à la fois. Et Delphine et Muriel Coulin de rejoindre la longue liste de réalisatrices qui donnent de beaux espoirs au cinéma français (Céline Sciamma, Mia Hansen-Love, Léa Fehner, Rebecca Zlotowski, Katell Quillévéré ou encore Valérie Donzelli).

Il n’est pas peu dire qu’on attendait énormément du nouveau film de Roman Polanski. D’abord parce qu’avec The Ghost Writer, brillant thriller politique qui ravivait des airs hitchcockiens, le réalisateur était à l’origine d’un des meilleurs films de l’année 2010.
Mais aussi parce que Carnage est l’adaptation d’une pièce, Le Dieu du carnage, huis clos qui se transforme rapidement en joute verbale (et l’on sait que le cinéma, en terme de huis clos, nous a fourni des films réussis, de Douze hommes en colère à Panic Room en passant par La Corde) signée d’une des plus intéressantes ambassadrices du théâtre contemporain français, Yasmina Reza.
Enfin, parce que Polanski a fait appel à un quatuor d’acteurs tous aussi talentueux les uns que les autres :

• l’inénarrable Kate Winslet, toujours abonné aux meilleurs rôles dramatiques du cinéma hollywoodien, ayant détrôné depuis longtemps par la qualité de ses interprétations les Nicole Kidman et autres Julia Roberts, et prête à endosser le rôle de la plus grande actrice américaine de son temps.

• le surprenant John C. Reilly, qui n’a cessé depuis quelques années de prouver l’étendue de son talent et la finesse de son jeu d’acteur, de Cyrus à We Need To Talk About Kevin.

• Christoph Waltz, celui qu’on ne présente plus depuis qu’il est entré au panthéon des prestations tout aussi fascinantes qu’inoubliables, grâce à son rôle de colonel SS dans Inglourious Basterds de Tarantino qui lui a valu l’Oscar du meilleur second rôle.

• et enfin Jodie Foster, qui, de film en film, a marqué discrètement mais durablement le cinéma grâce à un jeu tout aussi sobre que palpitant.

Bref, Carnage avait tout pour plaire. Et pourtant…
Pourtant, tout commençait plutôt bien. Car en mettant en scène quatre caractères qui se rencontrent, se découvrent, s’apprivoisent avant de s’affronter, Polanski a su capter l’essence de ce combat de coqs.
Tout commence autour d’une banale dispute entre enfants. Les deux couples de parents se retrouvent un après-midi pour établir un constat à l’amiable. Nous sommes entre gens bien, humanistes, compréhensifs, soucieux des droits de l’homme, vivant confortablement dans un appartement new-yorkais sobrement décoré, avec de beaux livres d’art qui trônent sur la table basse du salon… Mais au fil de la conversation surgissent les premières divergences et les premières tensions. A propos des termes à employer par exemple : l’enfant a-t-il « frappé », « attaqué » ou « agressé » son camarade ? Etait-il « armé » ou « muni » d’un bâton ? Peu à peu, le vernis social se fendille, les vraies personnalités se font jour, les quelques reliquats de pulsions enfouies ressurgissent, les règles de bienséance et d’éducation tout comme les faux-semblants du couple social éclatent les uns après les autres. Le face-à-face vire même à l’hystérie collective, quand Kate Winslet vomit son clafoutis sur le beau livre de Kokoschka de Jodie Foster avant d’hurler qu’elle se torche avec les Droits de l’homme… Bref, un vrai choc des titans porté par des répliques férocement ciselées, et auquel Polanski réussit à insuffler un rythme percutant.

Seulement, à part ce rythme, Polanski n’apporte rien de véritablement cinématographique à la chose, qui ne reste qu’un affrontement bavard et surtout purement théâtral… Car en adaptant une pièce de théâtre, qui plus est un huis clos verbal, il fallait nécessairement que le réalisateur y apporte un enjeu cinématographique. Ici, rien. Polanski se contente de mettre face à face ses quatre personnages que l’on voit certes évoluer dans leur caractère avec intelligence (merci au jeu des acteurs, donc), mais qui ne dépasse jamais ce stade.

Ce qui ne veut pas dire pour autant que le réalisateur se contente de faire du théâtre filmé. Mais l’argument de base de l’histoire, qui est avant tout verbal, ne peut fonctionner qu’au théâtre. Le théâtre est une représentation qui se joue devant les yeux du spectateur et par là-même affiche son artificialité, autorisant ce non-naturel, cette hystérie exagérée. Au contraire, le cinéma, à quelques exceptions près évidemment, exige un sentiment de réalité. C’est d’ailleurs comme si le décor et la mise en scène réaliste de Polanski contredisaient la situation, qui n’est, elle, que de mots. La folie presque absurde vers laquelle bascule peu à peu le film ne peut avoir d’existence justifiée que sur une scène de théâtre. Ici, au cinéma, le rapport à la représentation est totalement différent, et fait de ce film un carnage à la limite du ridicule.

Malgré ses belles promesses sur le papier, Polanski déçoit terriblement…

Polisse a évidemment tout d’un film choc. Plongée fictionnelle, certes, mais réaliste dans l’univers de la Brigade de Protection des Mineurs, le film met en scène, en deux heures, tout ce qui peut arriver de plus sordide à nos charmantes têtes blondes : maltraitance, abus sexuel, abandon,… bref tout y passe, et pas toujours de la manière la plus fine. Heureusement, ce qui n’aurait pu être qu’un catalogue spectaculaire d’histoires plus glauques les unes que les autres devient au final un film aussi prenant que perturbant, grâce à la fureur de sa réalisatrice. Car Maïwenn prend le parti de s’attacher au quotidien de ces policiers, et de contrebalancer les insoutenables gardes à vue de pédophiles et dépositions avec des scènes d’une banalité confondante, où ces « sauveurs d’enfants » redeviennent monsieur et madame tout-le-monde : ils s’aiment, ils s’engueulent, ils rient, ils pleurent… Alternant scènes collectives et scènes intimes, scènes extrêmement dures et scènes beaucoup plus légères, Maïwenn trouve l’équilibre, le tout dans une mise en scène réaliste, on l’a dit, et terriblement énergique : caméra au poing, image nerveuse, rythme percutant. Dans son propos comme dans sa forme, Maïwenn, dans la continuité de ses précédents films, part à la recherche d’une forme de vérité exacerbée jusqu’à l’excès. Mais c’est ce trop-plein à fleur de peau, que d’aucuns jugeront un rien manipulateur (évidemment, Polisse a son côté tire-larmes), qui fait la marque de fabrique de la réalisatrice.

Une peu à la façon d’un film choral de Robert Altman, Maïwenn s’immisce dans un environnement et donne vie à un ensemble incroyable de personnages aux personnalités aussi différentes qu’étonnantes, portés par des comédiens au meilleur de leur forme (et aidés par des dialogues criants de justesse) : Marina Foïs et Karin Viard épatent en binôme au bord de la crise de nerfs, Karole Rocher, comme toujours, brille par sa spontanéité brute, tout comme Emmanuelle Bercot, également co-scénariste, Jérémie Elkaïm surprend en petit intello sage et réfléchi, quand Nicolas Duvauchelle allie douceur et violence.

Et évidemment, parmi eux, il y a le grand Joey Starr. C’était déjà Maïwenn qui avait permis à l’ex-star du rap de faire ses vrais débuts au cinéma dans son précédent film, Le Bal des Actrices, ce qui lui a valu une nomination au César du Meilleur Acteur dans un second rôle. Mais ici, encore plus qu’avant, son talent d’interprétation explose comme une évidence. Sous ses airs de grande brute à qui on ne la fait pas se cache une blessure profonde sans cesse ravivée par les histoires auxquelles il est confronté quotidiennement. Il se prend donc de passion pour son métier, tout en ne sachant pas prendre une distance nécessaire et ne pas en être meurtri intérieurement. Une performance aussi intelligente que bouleversante.

Seul bémol à l’histoire, (en dehors d’une fin grossière, voire ratée), la présence de Maïwenn devant la caméra dans le rôle d’une photographe envoyée par le Ministère de l’Intérieur au sein de la Brigade pour y réaliser un reportage photo. Un rôle qui n’apporte pas grand chose au film, si ce n’est une vague histoire d’amour avec Joey Starr. Autant l’actrice-réalisatrice avait toutes les raisons de se mettre en scène dans ses deux précédents films, l’autofiction Pardonnez-moi et le faux documentaire Le Bal des Actrices. Autant là, sa présence à l’écran, faussement cachée derrière son objectif, symbolique grossière de son rôle de réalisatrice du film, n’a aucune raison d’être et n’est que pur narcissisme…

Mais laissons tomber la personnalité de Madame et ne regardons que son travail : Polisse est un film saisissant.

Un homme, blouson en cuir avec un scorpion doré dans le dos, est accoudé à la fenêtre de sa chambre et regarde une ville, la nuit. Au téléphone, il énonce ses propres règles de conduite (dans tous les sens du terme) : 5 minutes pour vous laisser faire un casse, pas une de plus. Si vous dépassez, vous ne le reverrez plus. Si vous êtes dans les temps, sa mestria au volant vous sortira de toutes les situations. A prendre ou à laisser. Le tic-tac du chrono qui résonne, les gants de cuir qui se tendent, les battements du coeur en sourdine, le Driver mâchonne son cure-dent et attend. Les cinq minutes écoulées, branché sur la fréquence de la police il slalome, virtuose, entre autoroutes, ponts et signalisation, jouant à cache-cache avec les girophares au son d’une électro eighties entêtante. Adrénaline. Et Nicolas Winding Refn de commencer son Drive par un pré-générique de 10 minutes à la réalisation absolument ébouriffante.

Nicolas Winding Refn, c’est en effet par lui que le miracle arrive. Passé maître ès noirceur et violence spectaculaire avec la trilogie Pusher, Bronson ou bien encore l’hypnotique Guerrier Silencieux, il construit avec une logique implacable une filmographie exigente. Choisi par Ryan Gosling himself pour adapter le roman de James Sallis, il prouve (s’il le fallait encore) que son cinéma a ce qu’il faut d’immédiat, de maîtrisé, d’esthétique et de référencé pour en faire le digne héritier d’un Scorsese ou d’un Mann. L’association avec le premier semble logique après la vision de Drive : Mafia, malfrats, et ultra-violence, l’entourage du héros a tout pour le faire basculer. La filiation avec le cinéma de Michael Mann se fait, elle, plutôt du côté esthétique. En effet, Refn magnifie Los Angeles, de nuit comme de jour, comme seul le réalisateur de Collateral avait su le faire.
Si Drive porte le titre d’un film de bagnoles, il est pourtant tout sauf cela. A mi-chemin entre la romance contrariée et le revenge movie, la réalisation oscille entre grâce éthérée et accélération trash. Contre-plongées glorifiantes, couleurs mordorées et lumineuses et ralentis frissonnants ne sont que quelques-uns des outils qui ont permis à Refn de remporter un Prix de la Mise en Scène plus que mérité lors du dernier Festival de Cannes.

Mais si Drive s’avère être l’un des films les plus puissants, les plus charismatiques de cette année, il le doit notamment à son interprète principal, l’omniprésent Ryan Gosling. Nouveau chouchou du cinéma international, le garçon nous a gratifié d’une année 2011 tout bonnement exceptionnelle. Avec quatre (bons) films à l’affiche il a su démontrer toute l’étendue de son talent passant du drame indé (Blue Valentine), à la comédie romantique (Crazy Stupid Love) pour terminer par le thriller politique (Les Marches du Pouvoir), prouvant qu’il pouvait tout jouer. Et plus que bien en plus. Mais avec Drive c’est un tour de force qu’il réussit : rendre attachant, puis héroïque un personnage mutique et mystérieux de prime abord. Tout en regards en coins et en sourires esquissés, il n’y a pas qu’Irene (sa voisine incarnée avec délicatesse mais peut-être un peu trop de distance par Carey Mulligan) pour succomber à son charme. Relation en devenir magnifiée par des scènes au charme suranné, la presque romance entre le Driver et sa voisine se voit anéantie par la sortie de prison d’un mari et l’exécution d’un plan foireux. Nicolas Winding Refn, comme à son habitude, laisse alors le vernis craquer et son héros se repaître dans un abîme de violence. Héros au code de la route de conduite irréprochable, Ryan Gosling rend le real hero charismatique au point de rendre sa violence justifiable face à des mafieux quelque peu clichés (malgré les gueules exceptionnelles de Ron Perlman et Albert Brooks). Un coup de maître.

Pieds au plancher, Nicolas Winding Refn et Ryan Gosling vous entraîneront loin sur la route, soleil couchant dans le dos et les morceaux entêtants de Kavinsky, Desire et College dans les oreilles (comme dans cet article). Film d’une grâce absolue, traversé çà et là par des éclairs de violence fascinants, porté par un justicier solitaire et un acteur spectaculaire, Drive est un sommet de cinéma, un film précieux et rare qui nous rappelle que le 7è art a encore de quoi réjouir.

Finie, la tétralogie conceptuelle Gerry-Elephant-Last Days-Paranoid Park. Depuis Harvey Milk, Gus Van Sant est décidément passé à une autre étape de sa filmographie. Le voilà peut-être plus proche des schémas classiques du cinéma américain, et pourtant, il ne cesse d’approfondir les thèmes qui lui sont chers depuis son tout premier film, Mala Noche, en 1985 : la jeunesse, l’amour et la mort.

Depuis qu’il a perdu ses parents dans un accident de voiture, Enoch squatte les enterrements d’inconnus plutôt que d’aller au lycée, quand il ne joue pas à la bataille navale contre son seul ami, Hiroshi, fantôme d’un kamikaze japonais de la Seconde Guerre mondiale. C’est lors d’une cérémonie funèbre qu’il croise le regard de la douce et pétillante Annabel, une passionnée d’ornithologie, en phase terminale de cancer. De cette rencontre nait une touchante histoire d’amour vouée à finir bientôt, la mort rôdant à l’horizon.
D’emblée, Restless ne s’impose pas comme un grand film. Mélodrame hollywoodien au classicisme convenu, que le réalisateur a toutefois su marquer de son empreinte personnelle au point d’en faire oublier très vite les ficelles dramaturgiques, il est pourtant la preuve du talent de GVS pour varier de registres et d’intentions, et pouvoir s’aventurer dans des recoins encore inexplorés pour en tirer d’étonnantes merveilles.

Film en mode mineur, Restless excelle justement par sa modestie. Grâce à la magnifique photographie signée Harris Savides, collaborateur de GVS de longue date, le film baigne dans une douce atmosphère, tout à la fois tristement grise et délicatement lumineuse. Bercée par les mélodies folk d’Elliott Smith (parti trop vite lui aussi), la mise en scène, toute en demi-teinte, capte avec finesse le tumulte amoureux qui éclot sous l’apparente évanescence. Les émotions, discrètes et retenues, affleurent sans pathos aucun. Au contraire, c’est avec une grande légèreté que Gus Van Sant filme la fulgurance d’un baiser ou l’amorce d’un geste amoureux.
Plein de candeur et d’innocence, le film est à l’image de ses deux adolescents, brillamment interprétés par des jeunes comédiens de talent. Rôle principal et pourtant trop effacé de l’Alice au Pays des merveilles de Tim Burton, puis reléguée au second plan dans The Kids Are All Right, Mia Wasikowska trouve enfin ici un rôle à la mesure de son talent. Avec sa coupe à la garçonne façon Jean Seberg, et sa bouille plus que charmante, la jeune actrice semble avoir de beaux jours devant elle. Elle est ainsi la Jane Eyre d’une nouvelle adaptation du roman de Charlotte Brontë, signée Cary Fukunaga (Sin Nombre), qui sortira sur les écrans français le 4 janvier prochain.

A ses côtés, le tout jeune Henry Hopper, fils du géant Dennis, fait ici ses débuts sur grand écran. Malgré son physique gracile et enfantin et ses allures de dandy, ses tourments intérieurs le poussent à se renfermer sur lui-même, à se complaire dans une (presque) solitude morbide, si ce n’était sa rencontre avec la fée Annabel.
Armés d’un appétit pour la vie déconcertant, les deux tourtereaux font face à la mort avec une étonnante lucidité qui rend leur amour d’autant plus bouleversant. Et Gus Van Sant de continuer, film après film, à sublimer l’adolescence dans une mélancolie mortifère.



Après son savoureux Caramel qui suivait les destins croisés de plusieurs générations de femmes dans un institut de beauté, la réalisatrice libanaise Nadine Labaki s’attache aux femmes d’un petit village perdu dans les collines avec pour seul lien avec la civilisation un pont qui menace de s’écrouler depuis les derniers conflits. Malgré l’isolement du lieu où chrétiens et musulmans vivent en harmonie depuis des années, arrivent de la ville les échos de tensions religieuses qui refont surface. Pour distraire leurs maris et leurs fils et leur faire oublier leurs différences, les femmes du village, à l’imagination débordante, sont prêtes à utiliser tous les stratagèmes possibles, de la troupe de danseuses russes à l’exotisme sensuel jusqu’au space cake version libanaise

Le sujet est grave, évidemment, mais il donne pourtant lieu à une comédie truculente, grâce au talent de la réalisatrice pour croquer des personnages fantaisistes, dont elle exagère les traits de caractère de façon presque caricaturale, sans pour autant tomber dans le ridicule. Ca hurle à tout-va, ça rie à gorge déployée, ça chante même comme dans un film de Jacques Demy. Mais ça pleure aussi. Et ça se bat. Car toute la réussite du film tient à ses audacieuses ruptures de tons, qui font se côtoyer avec justesse des moments de pure comédie à l’italienne avec des vrais instants de tragédie (grecque ?), où la colère et l’émotion l’emportent.

Fable tendre, poignante et féministe, Et maintenant on va où ? pourrait paraître un rien consensuel au premier abord, avec son discours du type « aimez-vous les uns les autres ». Et pourtant, Nadine Labaki va plus loin. Sans toutefois nier à chacun le droit de croire à sa religion, il y a tout de même dans ces parenthèses burlesques l’idée que la religion n’est décidément pas la solution. Les femmes du village n’y croient d’ailleurs peut-être plus beaucoup, à ces religions qui n’apportent que du malheur et dont les enfants (leurs enfants) sont souvent des victimes collatérales. Alors, pour s’attaquer au cœur du problème et prendre en main leur destin, c’est le sérieux de leurs maris qu’elles tournent au ridicule, c’est des certitudes de la religion dont elles se moquent. Et en tournant en dérision les conflits interconfessionnels, la réalisatrice de tendre à la société libanaise un miroir dans lequel se reconnaitre…

Dix ans … Dix ans déjà que nous avons découvert les bouilles de Daniel Radcliffe, Emma Watson et Ruppert Grint, 11 ans au compteur et zéro expérience d’acteurs. Dix ans pour huit films et quatre réalisateurs ayant tous amené une ambiance, un style différent à la saga : Chris Colombus la chaleur et la couleur d’une enfance magique, Alfonso Cuaron la noirceur et le réalisme de la destinée de l’élu, Mike Newell (dans un film raté) les émois adolescents. Puis vint David Yates, en charge des quatre derniers opus. Incapable de se détacher de l’oeuvre originelle de J.K Rowling (au contraire de Cuaron sur Le Prisonnier d’Azkaban qui, se faisant, a livré selon moi le meilleur film de la saga), Yates s’enferre dans l’anecdotique et le manque de profondeur sur L’Ordre du Phénix et, pire, dans l’absence de sensibilité sur Le Prince de Sang-Mêlé. Malgré tout, le britannique conserve la lourde tâche de clôre les aventures du sorcier dans les deux parties d’Harry Potter et les Reliques de la Mort. Et le miracle survint. Enfin délesté de la pesante influence des romans, le réalisateur pose sa patte sur l’oeuvre et propose, dans une première partie presque intimiste, un film qui ne tend que vers un objectif : nous faire languir sa suite. Pari réussi. Et c’est ce 13 juillet 2011 que nous découvrons la dernière étape de ce voyage long d’une décennie.

Pour les aficionados du magicien à la cicatrice il n’y a pas encore un an, nous le laissions en bien mauvaise posture. Toujours plus isolé, à la merci d’un Voldemort désormais tout puissant et pleurant sur une plage la perte de Dobby l’elfe. De sombres heures t’attendent Harry … Et nous y voilà. Après avoir tenté d’échapper à leur destin dans une première partie contemplative mais tendue, Harry, Ron et Hermione se décident à affronter leur destinée en face à face. Et le film de reprendre exactement là où il s’était arrêté, à la recherche des Horcruxes manquant pour réduire Lord Voldemort à l’état de souvenir…

Comme le calme qui précède la tempête, on se rend très vite compte que cette première partie servait effectivement d’introduction à une bataille épique entre Harry et toute sa clique et les forces du mal. Un constat s’impose d’office, le film démarre sur les chapeaux de roue pour ne plus s’arrêter jusqu’à la fin. Vous cherchez des morceaux de bravoure au niveau action ? Oui. Pour vous faire saliver je vous parlerais d’une course-poursuite dans les sous-sols particulièrement humides de la banque Gringott’s à base de wagonnets et de montagnes russes vertigineuses… Vous vous demandez si 2h10 suffisent là où il aura fallu 850 pages à un roman ? Je vous répondrais que l’essentiel est là. Que chaque personnage ayant un tant soit peu marqué la saga à droit à ses adieux de pellicule : savoureux pour le Professeur Trelawney incarnée par Emma Thompson, malheureusement trop anecdotique pour Hagrid/Robbie Coltrane, badass (oui, oui) pour le professeur McGonagall et son actrice Maggie Smith, courageux pour Neville Londubat dont l’interprète, Matthew Lewis, apporte les quelques touches d’humour du film. Entre autres.

Et l’émotion dans tout ça ? Magistralement présente. Oui magistralement, car c’est peut-être la première fois en huit films qu’elle apparait de manière aussi limpide et juste. Harry Potter, pour une fois bien aidé par l’interprétation d’un Daniel Radcliffe enfin consistant, grandit et trouve de l’épaisseur dans le dénouement de sa quête initiatique. Le trio formé depuis les premières minutes avec Ron/Ruppert Grint et Hermione/Emma Watson apparaît ici plus soudé que jamais, porté par des acteurs enfin arrivés à maturation et à qui (on le souhaite) une carrière s’est ouverte grâce à ces rôles qui les ont vu passer d’enfants à adultes.
Mais le moment qui fera battre votre coeur un peu plus vite, un peu fort vous le devrez assez étonnamment à l’infâme professeur Rogue, toujours incarné à la perfection par Alan Rickman. Le film amorce en effet le retour en grâce d’un personnage qui, au final, est probablement le plus intriguant et le plus secret de la saga. Lors d’un flash-back éminemment poétique et au montage admirable, Rogue prendra une ampleur toute autre…

Si la 3D permet un magnifique travail sur les couleurs (grises, bleutées), sur les textures (métalliques) et sur la notion de profondeur, elle reste néanmoins, une fois de plus, dispensable. Et ce probablement grâce à la réalisation de David Yates, rythmée et virevoltante, dans ce final où la bataille fait rage au sein même de Poudlard. Chargée autant en adrénaline qu’en émotion, Harry Potter et les Reliques de la Mort – 2è partie (malgré un épilogue tout aussi inutile que dans le livre) s’avère être un film d’une intensité rare autant qu’un adieu bouleversant à un univers désormais familier.
Dix ans donc. Et la fin d’une époque, assurément…

En 1969, la NASA n’est pas allée sur la Lune pour battre de vitesse les soviétiques, mais parce que quelques années plus tôt un OVNI s’y est écrasé. Quelques décennies plus tard, les Autobots et les Decepticons, deux espèces aliens de robots-trop-méga-cools se livrant une guerre éternelle font de la Terre leur nouveau champ de bataille, les Autobots jurant de défendre les so gentils (mais immatures) humains, les Decepticons ne vivant que pour la destruction et la tyrannie. Et c’est à ce moment précis que cette histoire de face cachée de la Lune refait surface, pour entraîner le monde dans un affrontement dantesque. Voilà le point de départ de ce Transformers 3. Point de philosophie kantienne à l’horizon, on est d’accord, cependant il y a là de quoi proposer un spectacle pyrotechnique de haute volée, ce qui est d’ailleurs le cas : Michael Bay est un grand enfant, et le voir faire mumuse avec ses robots est un vrai régal. Comme pour les précédents opus de la trilogie ça explose dans tous les sens, les séquences sont spectaculaires, et dans certains cas il parvient même à nous arracher une bribe d’émotion. C’est dire ! Et pourtant…

Passé cette indéniable réussite visuelle, il ne reste plus rien : Shia LaBeouf aurait bien besoin d’une bonne dose de calmants, Rosie Huntington-Whiteley de cours de comédie et les scénaristes d’un papier-stylo pour écrire un scénario. Car au-delà du cabotinage généralisé tendance « même les viocs parlent comme les djeun’s », qui peut ponctuellement amuser mais devient rapidement blasant, Transformers 3 est d’un ennui mortel. La première heure tient la route, avec une consistance digne du premier opus de la trilogie, et l’on est pris. Mais à mesure que l’horloge tourne et que le film bascule dans l’affrontement dantesque, l’ennui commence à poindre, et il ne nous quittera plus. La destruction de Chicago n’a pas eu d’autre effet sur moi qu’un haussement de sourcil plein de circonspection et la fin est la suite logique de cette lente descente en Enfer : un désastre intégral.

J’ai quitté la salle énervé, énervé qu’un tel budget et qu’autant d’efforts accouchent de ça. On peut vouloir faire un film d’été, là n’est pas le problème, mais blockbuster ne doit pas être synonyme de « grand n’importe quoi ». Car Bay se laisse aller à trop de paresses, que ce soit avec ses acteurs ou, vous l’aurez compris, son récit. Il a pourtant un talent visuel rare, un sens du détail et de la mise en scène bluffant. Cela ne suffit pourtant pas, comme le montre sèchement Transformers 3. Et c’est là que le bat blesse, car s’il était un peu plus exigeant sur ces points il ne fait aucun doute que sa carrière prendrait une toute autre dimension. Brillant mais paresseux, et en attendant qu’il se décide à faire quelques efforts supplémentaires nous devons nous farcir sa mélasse cinématographique, et comme je l’écrivais en introduction, cela est frustrant. Immensément frustrant.

CONTRE

Quelle déception que ce X-Men First Class pourtant attendu comme le sauveur d’une franchise mal introduite et qui n’a cessé de s’enfoncer lamentablement dans une abyssale médiocrité depuis. Le nom de Matthew Vaughn à la réalisation laissait présager du meilleur après son dément Kick Ass, fable adolescente survitaminée. Et si cet opus est largement meilleur que les autres (ce qui n’était pas le défi du siècle), difficile quand même d’être convaincu. Contraint d’avancer dans l’ombre de Bryan Singer qui a planté ses crocs dans la saga, Matthew Vaughn se perd dans un scénario éclaté et ne parvient pas à créer une trame forte qui tienne le film.
A devoir jongler avec la naissance de ses mutants et la réalité de la Guerre Froide pendant laquelle se déroule le film, le réalisateur ne parvient finalement pas à craquer le vernis de ses personnages.
Et c’est là le plus grand drame du film qui peut en effet se vanter d’un casting de haute volée. Le choix de rajeunir la franchise était clairement le bon et Matthew Vaughn s’éclate à diriger ses jeunes foufous. Les acteurs majoritairement sortis de séries télé donnent un vrai coup de fouet au film et une énergie incroyable. Deux ou trois bonnes idées de mise en scène certes, mais pas non plus des tonnes.
Matthew Vaughn semble avoir quelques intuitions mais ne parvient pas à les exploiter. Il montre en tous cas à quel point le cinéma va se nourrir de séries télé en matière non seulement de casting mais aussi de scénario et de mise en scène. Et si le film tente de se rapprocher de ce traitement, il manque malheureusement de souffle, celui qui fait qu’on en redemande. Le relatif échec commercial du film n’est pas du au hasard. X-Men First Class visait haut mais s’est finalement vautré.

POUR

LJa va être dur pour vous, chers lecteurs, de vous faire une opinion définitive d’ X-Men First Class avec cette critique pour/contre, car les arguments négatifs de Pierre sont ceux que je réutiliserai de façon positive. Il ne vous restera donc plus qu’à aller voir le film en salle pour choisir votre camp (le mien bien évidemment).
Mon estimé collègue et moi-même sommes toutefois d’accord sur un point : la saga X-Men d’origine n’était pas des plus passionnantes. Elle m’a en tout cas toujours profondément ennuyée. C’est donc avec un a priori passablement négatif que je découvrais ce First Class, retour aux sources d’une mythologie brouillonne et éclatée.
Mais quelle ne fut pas ma surprise quand, au détour d’une scène d’introduction glaçante et intrigante dans les camps de la mort, je me mis à m’intéresser au destin tragiquement tracé des frères ennemis Charles Xavier (alias futur Professeur X) et Erik Lensherr (alias futur Magneto). Si le fantôme de Bryan Singer plane lourdement sur les épaules (encore fragiles) de Matthew Vaughn, le père de Kick-Ass s’en sort avec les honneurs. Et ceci grâce à un scénario ingénieux. Replacer l’intrigue de ce Commencement dans les années 60, en plein Guerre Froide, donne au film la saveur des meilleurs Bond, James Bond. Et pour couronner le tout, Michael Fassbender, magnétique (ce qui tombe bien pour un gars qui joue Magneto) prouve ici qu’une fois l’ère Daniel Craig achevée, il aurait nettement de quoi enfiler costards et filles tout en demandant une vodka-martini au shaker, pas à la cuillère.
Quant à son acolyte, James McAvoy, il arrive à insuffler avec naturel le flegme typiquement britannique de Charles Xavier. La nouvelle génération d’X-Men n’est, certes, que trop survolée mais l’essentiel se joue ailleurs : dans la relation d’amour-haine entre les deux hommes et plus particulièrement dans le basculement du côté obscur de la force de Magneto. Alors oui je n’ai pas vu le film de super-héros ultime, mais j’ai vu un excellent thriller. Et si vous n’êtes pas d’accord je citerais Hugh Jackman/Wolverine dans le caméo le plus savoureux du film, voire de l’année : « Go fuck yourself  » (en toute amitié bien sûr).