Nicolas Rey fait partie d’une génération malmenée. La génération Prix de Flore. Celle des écrivains merveilleusement trashy, qui passent leur temps à flâner dans la capitale, sortir tous les soirs, aimer de temps en temps, baiser tous les jours, saccager le peu d’amour qu’il leur reste et terminer la nuit, au petit matin, en écrivant sur le chaos de leur médiocre vie d’être détestable. Détestable? Hélas, pas tant que ça. Parce qu’en littérature, le naufrage d’une vie, mêlé aux fêlures les plus intimes, donnent souvent naissance aux plus beaux écrits. Une généralité que Nicolas Rey a confirmé, à ceux qui en doutaient encore, avec son deuxième roman Mémoire Courte (Prix de Flore en 2000). Une roman où l’auteur éclaire à la lumière crue les actes ratés, émouvants et drôles, d’un anti-héros férocement contemporain.

Gabriel a 31 ans. Marié depuis peu, il s’apprête à s’installer avec sa nouvelle femme, Sophie. Dans quelques semaines, il devra dire adieu à son appartement de jeunesse, aux petits matins difficiles, aux nuits endiablés. Ralentir les soirées entre potes, la clope, la drogue et les femmes. Oui, Gabriel va devoir se faire à l’idée d’avoir la vie d’un homme marié. Mourir un peu, en somme. Sera t-il assez courageux pour échapper à ce conformisme ambiant ou sera t-il assez lâche pour entretenir l’arnaque de la vie aux côtés de Sophie? C’est la question qui erre tout au long de ce roman moderne, où les mots se brûlent à la vitesse identique que le héros brûle sa vie. Gabriel incarne ce personnage typique des années 2000, écartelé entre bravoure et faiblesse, une femme ou des conquêtes, une triste stabilité ou un bordel immense et sans fin. Un être jugé sans cesse par ses contemporains. Épouse, amantes, parents ou amis, chacun y va de son petit avis sur la situation du Don Juan délicieusement trashy. Mais à quoi bon juger Gabriel? Dépouillé de son immaturité attendrissante, de sa libido destructive et de son cynisme redoutable n’est-il pas l’être le plus courageux de ce théâtre qu’est la vie?

Le courage de la lucidité tel pourrait être la plus belle qualité de ce personnage exquis. Héros romanesque, touché par la « grâce » de la désillusion. La désillusion de rater sa vie, comme les autres, et de ne plus aimer sa femme, comme les autres. Lorsque Sophie pose la question fatidique, à savoir : « Est-ce que tu m’aimes moins qu’avant? », Gabriel ne perd pas son temps à mentir. Il répond direct : « Bien sûr que je t’aime moins qu’avant, mais ce n’est pas grave. C’est la règle du jeu. ». Tout au long de cette descente aux enfers, constituée de drogues, d’alcool et de diverses parties de jambes en l’air, Gabriel ne fait que déplorer cette mauvaise vie. Une mauvaise vie où les mariages naissent pour de mauvaises raisons, où la perle rare se transforme en arnaque, où les femmes déploient une énergie folle à sauver les beaux yeux d’une illusion… Face à cette supercherie qu’est la vie, Gabriel, à l’image de son créateur, accepte les règles du jeu tout en les dénonçant. « Un jour peut-être, je ferais un pamphlet sur la saloperie des mecs en amour. On peut difficilement faire plus dégueulasse comme sujet. Je suis inépuisable là-dessus. Le constat est simple : les mecs sont des enculés globalement constitués par la trouille. Des égoïstes pas si purs que ça. La solution, faut pas la chercher bien loin, elle est simple, ils manquent de cœur. C’est tout. Même quand ils baisent, ils manquent de cœur. Personne ne peut grand chose contre ça ». Avec Mémoire courte, Nicolas Rey réalise le rêve de son héros. Il écrit ce beau pamphlet et, par la même occasion, le livre d’une génération désarmée, et désarmante. Avec un style néo-post-moderne-gentiment trashy, il se passionne pour cette descendance paumée, qui rêve de romantisme à la sauce XIXème, mais que l’âge adulte confronte à une bien dure réalité : ribambelle d’illusions déçues, renoncements inévitables et routine morose. Auteur moderne, drogué à la beauté éphémère des petits instants de la vie, Nicolas Rey se rêve en enfant du siècle, siècle de la débâcle des sentiments. Avec romantisme, naïveté et perversité, il convainc son lectorat de l’utilité de ses récits égoïstes derrière lesquels se dégage une belle forme d’altruisme. Nicolas Rey parle de lui, de l’amour mais avant tout du monde. Un monde sans valeur dans lequel il cherche, en vain, des raisons d’exister et d’aimer.

Mémoire Courte de Nicolas Rey (Au Diable vauvert)

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A 15 ans, Alexandre vit seul à Namur avec son père. Un père violent qui le bat à la moindre confrontation. Pour échapper à ce quotidien cruel, Alexandre a l’aviron comme refuge. Et comme seule obsession : gagner les championnats de Belgique.

A travers cette histoire, le réalisateur aborde un sujet difficile, sans pathos et sans mièvrerie. Au contraire, en refusant le romanesque et la psychologie, il s’attache à rendre compte de la relation ambigüe entre ce père et son fils. Une relation faite de violence et de coups, et malgré tout d’amour, d’un amour paternel qui n’arrive pas à s’exprimer ni à se faire comprendre. Une relation où les rôles tendent également à s’inverser : qui est le père ? qui est le fils ?

Un cinéma à fleur de peau où Bernard Bellefroid met en scène des meurtrissures personnelles intensément vécues par ses comédiens (le jeune Joffrey Verbruggen, dont les hésitations du jeu rajoutent à la vérité de son personnage, et Thierry Hancisse, de la Comédie-Française, à l’ambivalence plus que troublante). Un premier long-métrage pudique et bouleversant, dont le ton juste révèle tune profonde maturité. Une belle révélation.

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Avec six récompenses dont trois majeures (Meilleur Film, Meilleur Scénario et Meilleur Réalisatrice) Démineurs s’offre un grand chelem. Performance que Kathryn Bigelow appréciera d’autant plus qu’elle devance James Cameron … son ex-mari. Mais point de mauvais esprit là-dedans, les deux ex-conjoints s’étant congratulé mutuellement de leurs succès respectifs. N’en reste pas moins que Kathryn Bigelow rentre dans l’histoire en devenant la première femme récompensée de l’Oscar de la réalisation.

Du côté des prix d’interprétations, Christoph Waltz (Inglourious Basterds) et Mo’nique (Precious) respectent leurs rangs de grand favoris aux Oscars des Seconds Rôles, tandis que Jeff Bridges se voit enfin récompensé de la statuette du Meilleur Acteur pour son interprétation de chanteur country aux abois dans Crazy Heart. Sandra Bullock a établi hier un record : recevoir en moins de 24h un Razzie de la pire interprétation et un Oscar de la meilleure actrice (pour deux rôles différents cependant). Chapeau.

Les Studios Pixar repartent la tête haute avec leur habituel Oscar du Meilleur film d’animation mais aussi cette année avec celui de la Meilleure musique originale pour Michael Giacchino. Le cocorico de la soirée aurait pu (dû?) revenir à Jacques Audiard pour Un Prophète Meilleur film étranger, ou bien à Alexandre Desplat et la musique de Fantastic Mr. Fox. Mais non et ce n’est pas à cause du Ruban Blanc. C’est en effet, le challenger Dans ses yeux de l’argentin Juan José Campanella qui remporte la course. Cependant, des petits frenchies ont remporté l’Oscar du meilleur court-métrage avec Logorama. L’honneur est sauf.

Voici donc le palmarès principal de cette riche soirée.

MEILLEUR FILM

• Avatar de James Cameron
  
• The Blind Side de John Lee Hancock
  
• District 9 de Neill Blomkamp
  
• Une Education de Lone Scherfig
  
• Inglourious Basterds de Quentin Tarantino
  
• Démineurs de Kathryn Bigelow
  
• Là-Haut de Pete Docter & Bob Peterson
• In The Air de Jason Reitman
• A Serious Man de Joel & Ethan Coen
• Precious de Lee Daniels

MEILLEUR REALISATEUR

• Kathryn Bigelow pour Démineurs
• James Cameron pour Avatar
• Quentin Tarantino pour Inglourious Basterds
  
• Lee Daniels pour Precious
• Jason Reitman pour In The Air

MEILLEUR ACTEUR

• George Clooney dans In The Air
  
• Colin Firth dans A Single Man
  
• Morgan Freeman dans Invictus
  
• Jeremy Renner dans Démineurs
• Jeff Bridges dans Crazy Heart

MEILLEURE ACTRICE

• Sandra Bullock dans The Blind Side
  
• Helen Mirren dans The Last Station
• Carey Mulligan dans Une Education
• Gabourey Sidibe dans Precious
• Meryl Streep dans Julie & Julia

MEILLEUR ACTEUR DANS UN SECOND ROLE

• Matt Damon dans Invictus
• Christoph Waltz dans Inglourious Basterds
  
• Woody Harrelson dans The Messenger
• Christopher Plummer dans The Last Station
• Stanley Tucci dans The Lovely Bones

MEILLEURE ACTRICE DANS UN SECOND ROLE

• Penélope Cruz dans Nine
• Vera Farmiga dans In The Air
  
• Maggie Gyllenhaal dans Crazy Heart
• Mo’Nique dans Precious
  
• Anna Kendrick dans In The Air

MEILLEUR SCENARIO ORIGINAL

• Kathryn Bigelow, Mark Boal pour Démineurs
• Quentin Tarantino pour Inglourious Basterds
  
• Alessandro Camon, Oren Moverman pour The Messenger
  
• Joel Coel, Ethan Coen pour A Serious Man
  
• Pete Docter, Bob Peterson pour Là-Haut

MEILLEURE ADAPTATION

• Geoffrey Fletcher, Damien Paul pour Precious
• Neill Blomkamp, Terri Tatchell pour District 9
  
• Nick Hornby pour Une Education
  
• Armando Iannucci, Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Tony Roche, Ian Martin pour In The Loop
  
• Jason Reitman, Sheldon Turner pour In The Air

MEILLEUR FILM D’ANIMATION

• Coraline de Henry Selick
• Fantastic Mr. Fox de Wes Anderson
• La Princesse et la Grenouille de Ron Clements & John Musker
• Brendan et le Secret de Kells de Tomm Moore
• Là-Haut de Pete Docter & Bob Peterson
  

MEILLEURE MUSIQUE

• Michael Giacchino pour Là-Haut
• James Horner pour Avatar
• Alexandre Desplat pour Fantastic Mr. Fox
  
• Marco Beltrami & Buck Sanders pour Démineurs
• Hans Zimmer pour Sherlock Holmes

MEILLEUR DOCUMENTAIRE

• The Cove – La Baie de la Honte réalisé par Louie Psihoyos
  
• Burma VJ réalisé par Lise-Lense Moller
  
• Food, Inc réalisé par Robert Kenner & Elise Pearlstein
  
• The Most Dangerous Man in America : Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers réalisé par Judith Ehrlich & Rick Goldsmith
• Which Way Home réalisé par Rebecca Cammisa

MEILLEUR FILM ETRANGER

• Ajami réalisé par Scandar Copti & Yaron Shani
  
• Dans ses Yeux réalisé par Juan José Campanella
  
• Un Prophète réalisé par Jacques Audiard
  
• Le Ruban Blanc réalisé par Michael Haneke
• Fausta réalisé par Claudia Llosa

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Sur les présentoirs des librairies, Quinze ans après est en tête de gondole. Il est sous titré par un intrigant : Fanfan Acte II. Les suites, généralement, deviennent des déceptions regrettables. Hélas, les amours de jadis prennent souvent le dessus et le désir de les voir se rejouer une dernière fois avec. Alors pourquoi ne pas se laisser séduire une ultime fois par Fanfan? La première fois c’était il y a quinze ans. Fanfan s’ouvrait sur cette citation de Don Juan (Molière) : « Les commencements ont des charmes inexprimables ». Quelques mots simples pour évoquer la pensée d’un rêveur hyperactif, Alexandre, le héros, amoureux fou d’une jeune beauté sauvage du nom de Fanfan dont le marivaudage exquis a ravi plus d’un lecte ur. Immortalisée au cinéma en 1993 par Alexandre Jardin lui-même, ce conte moderne, souvent moqué pour sa mièvrerie, est l’œuvre majeure d’un auteur, éternel adolescent romantique et idéaliste, égaré dans une société écœurante de conformisme qu’il rêve de bousculer par la fougue de sa plume. Avec Quinze ans après, Alexandre Jardin revient filer une jolie leçon de romantisme aux nostalgiques des amoureux (é)perdus.

Quinze ans après s’être séparés un 18 juin, sur une plage d’Italie, Fanfan et Alexandre sont devenus des inconnus l’un pour l’autre. Ils se sont éloignés sans un mot. Un beau et vaste silence à valeur de politesse envers leur passion furtive mais flamboyante. À 20 ans, Fanfan avait cru que la passion naissait, s’épanouissait puis fanait sans un bruit. À 40 ans, elle en était sûre. Après l’épisode avorté d’Alexandre, deux ruptures, deux enfants, la vie l’avait laissée « patraque, amputée de ses éclats de rire et décharmée de la vie commune ». Tout le contraire de son ancien amant Alexandre qui, après avoir écrit un livre et réalisé un film sur son idylle rocambolesque avec Fanfan, avait subitement renié son idéalisme de jeunesse pour se fourvoyer dans le bonheur de la vie conjugale. Il rêvait désormais d’un amour quotidiennement réenchanté. Deux antipodes donc, deux êtres opposés sensibles à produire des retrouvailles étincelantes. Suite aux manigances de l’éditeur et du producteur d’Alexandre, qui avaient tout intérêt à exploiter le produit de ces retrouvailles, l’aventure féerique de Fanfan et d’Alexandre pouvait reprendre de plus belle. Dit ainsi, il est vrai qu’on pourrait s’imaginer qu’Alexandre Jardin avait, lui aussi, tout intérêt à exploiter le filon Fanfan. Un best-seller, un film, puis une suite aujourd’hui, Fanfan est devenue une affaire qui roule à merveille! Les raisons? Alexandre Jardin fait du Alexandre Jardin. Sincère et cinglé sur les bords, l’auteur livre une suite tout aussi délirante et inattendu que son premier opus. Cet acte II déborde d’instants délicieux où viennent se confronter avec malice l’excès de romanesque d’Alexandre à la mélancolie désabusée de Fanfan. Elle a beau vouloir renoncer aux utopies gnangnan, à l’exaltation énervante d’Alexandre, elle n’y peut rien. Parce qu’encore une fois, Alexandre, « toujours aussi gonflé à l’hélium de ses rêveries », est prêt à franchir les limites du sens commun pour entreprendre avec elle une vie de couple quotidienne, érotisée avec zèle, un tremplin original vers une éternité retrouvée.

Comme à son habitude Alexandre (l’auteur comme le héros) réserve des aventures magiques à sa Fanfan. Des situations abracadabrantes parsemées d’embuches et de personnages incroyables, manipulateurs prestigieux, tels une Madame de Merteuil des années 2000 déguisée en (fausse) meilleure amie, une éditeur play-boy ou un producteur sans scrupule. Des petits êtres à la médiocrité exquise à l’image de ceux qui pullulent sûrement dans le microcosme parisien qu’Alexandre Jardin doit tant se plaire à disséquer. Pendant que la littérature française actuelle génère de nombreux romans sur le caractère éphémère de la passion, la facticité des sentiments et la difficulté d’aimer dans un monde à l’individualisme extrême, Alexandre Jardin fait le choix délibéré d’aimer autrement et de ne pas s’incliner face aux pièges tendus par la passion. L’acte II vient donc démentir l’acte I. Grâce à lui Fanfan oubliera les courbatures multiples de son cœur, Alexandre préférera enfin vivre les choses plutôt que de les écrire, et le lecteur, tiraillé entre nostalgie et espoir, s’aventurera à rêver des retrouvailles de Fanfan et Alexandre sur grand écran…

Quinze ans après d’Alexandre Jardin (Grasset)

Fanfan d’Alexandre Jardin (Folio)

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Tim Burton, Ridley Scott, Jean-Pierre Jeunet, Michael Mann, Christopher Nolan, Rob Marshall… autant de noms qui font sûrement pâlir d’envie tout comédien, qu’il soit apprenti ou confirmé. Mais c’est Marion Cotillard qui est en train de les accrocher, un à un, à son tableau de chasse. En effet, après avoir conquis Hollywood avec La Môme, la petite frenchie n’en finit plus de tourner et de faire tourner la tête aux plus grands. Si son dernier fait d’armes est de chanter, danser et jouer avec rien de moins que Nicole Kidman, Penélope Cruz, Judi Dench, Sofia Loren et le grand Daniel Day-Lewis dans Nine, Marion Cotillard ne s’arrête pas là. Deux des projets les plus excitants de la planète cinéma la compte à leurs génériques.

Tout d’abord Contagion, le nouveau projet de Steven Soderbergh où entourée de Jude Law, Matt Damon et Kate Winslet, elle devra faire face à une épidémie menaçant l’humanité toute entière. Et cet été, elle rejoindra Woody Allen pour son premier tournage en terres françaises. Aux côtés d’Owen Wilson et Rachel McAdams, elle interprétera une comédie romantique encore sans titre où même notre première dame, Carla Bruni-Sarkozy, aura son caméo.

Woody Allen pourra ainsi ajouter Marion Cotillard au panthéon de ses égéries (aux côtés de Diane Keaton, Mia Farrow, Scarlett Johansson…) et Marion Cotillard rayer Woody Allen de la liste des réalisateurs avec qui elle n’a pas (encore) travaillé.

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Né en 1932 en Islande, Erró (de son vrai nom Gudmundur Gudmundsson) se forme à l’école des Beaux-arts de Reykjavik où il obtient son diplôme de professeur d’art en 1951, avant de rejoindre l’année suivante l’Académie des Beaux-arts d’Oslo, puis de Florence, ainsi qu’à l’Ecole de mosaïque de Ravenne, afin de compléter sa formation. Pendant cette époque, Erró voyage beaucoup, en Espagne, en Italie, en Allemagne, en France. Il s’installe définitivement à Paris à la fin des années 1950.

Introduit dans les milieux surréalistes parisiens par l’intermédiaire de Jean-Jacques Lebel, il reprend dès ses débuts une technique qu’eux et leurs prédécesseurs les dadas, apprécient particulièrement : le collage, capable, par la juxtaposition d’éléments disparates, de donner un sens nouveau à l’image, équivalent visuel des travaux des écrivains surréalistes (cadavres exquis…). Véritable glaneur d’images, il accumule une réserve de matériel – bandes dessinées, caricatures politiques, photographies de magazine, presse alternative, publicités, revues d’art, estampes, dictionnaires illustrés, catalogues… – qui lui permettent de créer des compositions tantôt politiques, ironiques ou humoristiques.

Erró commence ainsi une importante série de collages à partir de revues techniques et d’images de presse, qu’il nomme les « Mécacollages » ou « Mécamorphoses », notion introduite par l’artiste dans son manuel Mécanismo, diffusé lors de la Biennale de Venise de 1962 : en entremêlant des corps humains et des éléments mécaniques découpés dans la revue L’usine nouvelle, il pose un regard critique sur la société de consommation à la manière de dadaïstes Hannah Höch ou Raoul Hausman (Méca-Make-up).

Erró, "Passing by Miss Murphy", vers 1979-1980 © ADAGP, Paris 2010 (photo Philippe Migeat)

A partir de 1964, Erró prend un part active au sein du mouvement de la Figuration narrative, qui, dans le contexte international tendu des guerres du Vietnam et d’Algérie, invite à revenir à une nouvelle figuration. Le collage est alors un des moyens utilisé pour exercer un regard critique, mais aussi ironique sur la politique, la guerre, la société et l’art. A partir d’images de propagande venant de la Chine populaire, du Vietnam communiste, de Cuba ou de Thaïlande, qu’il mêle à des images d’intérieurs bourgeois et proprets, Erró détourne les figures révolutionnaires (Mao, Che Guevara), tout en ironisant sur l’American Way of Life (American Interiors). La guerre et la violence sont également au cœur de nombre de collages de l’artistes, qui met en scène les conflits, mais aussi les conquêtes, qu’elles soient territoriales ou spatiales (Série spatiale).

Erró introduit également dans ses collages des œuvres d’art, qu’il n’hésite pas à désacraliser. Les odalisques d’Ingres ou les femmes nues peintes par Fragonard côtoient ainsi les images de la culture populaire américaine. Mais ce sont surtout les héros de comics américains, de bandes dessinées espagnoles et de mangas japonais qui vont prendre de plus en plus de place dans l’œuvre d’Erró, jusqu’à aujourd’hui. Avec humour, il juxtapose différentes figures humaines, humanoïdes ou animales et crée un récit narratif, notamment dans ses « Scapes », grands collages organisés en paysages panoramiques, comme son Science-Fiction Scape, étude destinée à l’origine à un décor de la médiathèque de la Cité des Sciences et de l’Industrie de la Villette.

Les collages de l’artiste servent souvent de modèles à son œuvre picturale. D’abord transférés à main levée, ils sont ensuite projetés sur la toile à l’aide d’un projecteur à diapositives ou d’un épiscope, faisant de ces travaux des œuvres autonomes mais aussi des esquisses pour sa peinture.

Chocs visuels, mélange des temps et des espaces, les collages de papiers découpés permettent à Erró de créer un univers visuel unique marqué par son époque, et où l’ironie et la dérision cohabitent afin d’apporter un regard critique sur la société.

Erró, Sans titre, vers 2000 © ADAGP, Paris (photo Philippe Migeat)

« Erró, 50 ans de collage » – Du 15 février au 24 mai 2010

Centre Pompidou – Galerie d’art graphique (niveau 4)

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Susie Salmon, jeune fille de quatorze ans, mène une vie paisible dans une petite ville des Etats-Unis, entre sa vie familiale et ses amis du collège. Jusqu’au 6 décembre 1973, jour où l’un de ses voisins la tue. Mais pourtant, tout n’est pas fini pour Susie : depuis un entre-deux, lieu de passage entre la mort et l’au-delà, elle observe sa famille sous le choc de sa mort faire son deuil et tenter de recouper les éléments pour retrouver son assassin… Un scénario, qui, une fois mis en boîte, nous fait découvrir une autre facette du réalisateur de la trilogie du Seigneur des Anneaux, plus proche de ses Créatures célestes (1995).

Peter Jackson met en scène deux genres très différents. D’une part, un univers réaliste qui, après la mort de Susie, prend la forme d’un polar tragique assorti d’une réflexion sur le deuil. D’autre part, un entre-deux merveilleux, lieu de tous les possibles, où Susie prend du recul sur sa propre existence. Mais force est de constater que le réalisateur ne réussit pas à insuffler la même force dans ces deux univers. Autant la partie « thriller » fonctionne parfaitement, sa tonalité unique et sa tension constante nous plongent dans une émotion intense, autant la partie « fantastique » est complètement ratée.

Malgré sa grande inventivité visuelle, ce monde imaginaire, sans subtilité pour le coup, découle d’une imagerie totalement kitsch, véritablement naïve et indubitablement ridicule : collines verdoyantes, soleil magnifique, immenses cascades, papillons et fleurs à qui mieux-mieux… En sautant d’un genre à l’autre, le film perd au fur et à mesure de sa puissance. Un retour quelque peu manqué pour Peter Jackson. Toutefois, mention spéciale à l’excellent Stanley Tucci, méconnaissable en voisin serial killer.

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Comme tous les ans, un grand gagnant. Une tradition qui pourrait énerver. Et pourtant cette année, quel plaisir de voir le dernier Audiard briller. Avec 13 nominations et 9 César, dont celui de meilleur film, meilleur réalisateur et meilleur scénario original, c’est une triomphe mérité pour Un Prophète. Tahar Rahim, la révélation du film établit un record en remportant à la fois le Prix de la révélation masculine et celui meilleur acteur. Le César de la meilleur actrice revient sans grande surprise (et pour la 5è fois) à Isabelle Adjani pour son rôle dans La Journée de la Jupe qui signe son grand retour. S’il y a un grand gagnant, il y a aussi un grand perdant avec Welcome de Philippe Lioret qui ne transforme aucune de ses 10 nominations en César. Pas même celui du meilleur acteur, très attendu par Vincent Lindon. On retiendra également le couronnement de Mélanie Thierry au titre de meilleur espoir féminin… enfin ! Une reconnaissance un peu tardive pour cette actrice qui n’en est plus à ses débuts. Pour finir, le fils de Clint Eastwood vient récupérer le césar du meilleur film étranger pour son père qui obtient grâce à Gran Torino son 3ème césar et signe dans le même temps un nouveau record.

Sans plus attendre, le palmarès :

MEILLEUR FILM

• A l’Origine de Xavier Giannoli
• Le Concert de Radu Mihaileanu
• Les Herbes Folles de Alain Resnais
• La Journée de la Jupe de Jean-Paul Lilienfeld
• Rapt de Lucas Belvaux
• Un Prophète de Jacques Audiard
• Welcome de Philippe Lioret

MEILLEUR REALISATEUR

• Jacques Audiard pour Un Prophète
• Lucas Belvaux pour Rapt
• Xavier Giannoli pour A l’Origine
• Philippe Lioret pour Welcome
• Radu Mihaileanu pour Le Concert

MEILLEUR ACTEUR

• Yvan Attal dans Rapt
• François Cluzet dans A l’Origine
• François Cluzet dans Le Dernier pour la Route
• Vincent Lindon dans Welcome
• Tahar Rahim dans Un Prophète

MEILLEURE ACTRICE

• Isabelle Adjani dans La Journée de la Jupe
• Dominique Blanc dans L’Autre
• Sandrine Kiberlain dans Mademoiselle Chambon
• Kristin Scott-Thomas dans Partir
• Audrey Tautou dans Coco avant Chanel

MEILLEUR ACTEUR DANS UN SECOND ROLE

• Jean-Hugues Anglade dans Persécution
• Niels Arestrup dans Un Prophète
• Joey Starr dans Le Bal des Actrices
• Benoit Poelvoorde dans Coco avant Chanel
• Michel Vuillermoz dans Le Dernier pour la Route

MEILLEURE ACTRICE DANS UN SECOND ROLE

• Aure Atika dans Mademoiselle Chambon
• Anne Consigny dans Rapt
• Audrey Dana dans Welcome
• Emmanuelle Devos dans A l’Origine
• Noémie Lvovsky dans Les Beaux Gosses

MEILLEUR ESPOIR MASCULIN

• Firat Ayverdi dans Welcome
• Adel Bencherif dans Un Prophète
• Vincent Lacoste dans Les Beaux Gosses
• Tahar Rahim dans Un Prophète
• Vincent Rottiers dans Je suis heureux que ma mère soit vivante

MEILLEUR ESPOIR FEMININ

• Pauline Etienne dans Qu’un seul tienne et les autres suivront
• Florence Loiret-Caille dans Je l’aimais
• Soko dans A l’Origine
• Christa Théret dans LOL
• Mélanie Thierry dans Le Dernier pour la Route
• Marilou Berry pour Vilaine

MEILLEUR SCENARIO ORIGINAL

• Jacques Audiard, Thomas Bidegain, Abdel Raouf Dafri, Nicolas Peufaillit pour Un Prophète
• Xavier Giannoli pour A l’Origine
• Jean-Paul Lilienfeld pour La Journée de la Jupe
• Philippe Lioret, Emmanuel Courcol, Olivier Adam pour Welcome
• Radu Mihaileanu, Alain-Michel Blanc pour Le Concert

MEILLEURE ADAPTATION

• Stéphane Brizé, Florence Vignon pour Mademoiselle Chambon
• Anne Fontaine, Camille Fontaine pour Coco avant Chanel
• Philippe Godeau, Agnès De Sacy pour Le Dernier pour la Route
• Laurent Tirard, Grégore Vigneron pour Le Petit Nicolas
• Alex Réval, Laurent Herbiet pour Les Herbes Folles

MEILLEURE PREMIERE OEUVRE

• Les Beaux Gosses réalisé par Riad Sattouf
• Le Dernier pour la Route réalisé par Philippe Godeau
• Espion(s) réalisé par Nicolas Saada
• La Première Etoile réalisé par Lucien Jean-Baptiste
• Qu’un seul tienne et les autres suivront réalisé par Léa Fehner

MEILLEURE MUSIQUE

• Armand Amar pour Le Concert
• Alex Beaupain pour Non ma Fille, tu n’iras pas Danser
• Alexandre Desplat pour Un Prophète
• Cliff Martinez pour A l’Origine
• Nicola Piovani pour Welcome

MEILLEUR DOCUMENTAIRE

• L’Enfer d’Henri-Georges Clouzot réalisé par Serge Bromberg et Ruxandra Medrea
• La Danse, le Ballet de l’Opéra de Paris réalisé par Frederick Wiseman
• Himalaya, le Chemin du Ciel réalisé par Marianne Chaud
• Home réalisé par Yann-Arthus Bertrand
• Ne me libérez pas je m’en charge réalisé par Fabienne Godet

MEILLEUR FILM ETRANGER

• Avatar réalisé par James Cameron
• Gran Torino réalisé par Clint Eastwood
• Harvey Milk réalisé par Gus Van Sant
• J’ai Tué Ma Mère réalisé par Xavier Dolan
• Panique au Village réalisé par Stéphane Aubier et Vincent Patar
• Le Ruban Blanc réalisé par Michael Haneke
• Slumdog Millionaire réalisé par Danny Boyle

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Trente ans après le suicide de ses parents, le fils du romancier Romain Gary et de l’actrice Jean Seberg s’empare de la plume pour raconter « ses morts ». Dans ce récit touchant, où s’entre-mêlent bribes d’autobiographie et de fiction, Alexandre Diego Gary sollicite les souvenirs des êtres qu’il a tant aimé et qu’il a tant redouté de rejoindre. Avec S ou l’Espérance de vie, il signe un tendre témoignage, à l’intensité poignante et à la pudeur désarmante.

Il est le fils de deux suicidés célèbres. La douce progéniture d’un auteur filou, à la double identité et au double Goncourt, et d’une éternelle adorable petite vendeuse de journaux déambulant sur les Champs-Élysées sous l’œil de la Nouvelle Vague. Le petit garçon de ce couple phare des années 60, aujourd’hui âgé de 47 ans, ouvre, non sans difficulté, sa besace aux souvenirs. « J’ai des choses tristes à écrire » confie t-il à ses lecteurs avec douleur. Des choses tristes émanant d’un passé lointain à jamais vivace dans sa mémoire. « Silence les morts, écrit-il, malgré tout le respect que je vous dois. Maintenant c’est à moi de prendre la parole. Laissez-moi juste en toucher un mot. De toi, d’elle, de moi. ». Maintenant le fiston doit prendre la parole avec force et courage, il doit affronter son alphabet funéraire afin de ne pas périr avec lui, il doit faire face aux mensonges abjects qui ont suivi la mort de ses parents, il doit en finir avec les biographes macabres sur les traces de sa mère, les questions pesantes et tous les événements qui feront à jamais de lui un accidenté de la vie.

« C’est dégueulasse! » lâchait Jean Seberg devant la caméra de Jean-Luc Godard il y a bien longtemps. La réplique culte de sa mère n’a jamais quitté Diego Gary. Le récit, quant à lui, est-il dégueulasse? C’est la question qui ne cesse de tourmenter ce narrateur inconsolable, et son double baptisé Sébastien Heayes, avec lequel il entretient des querelles sur l’indécence et l’impudeur d’un telle entreprise. L’écriture de soi est un vaste sujet, peuplée de pièges sournois, auxquels échappe Diego Gary. Ses maux, il les manie à la perfection, leur évitant au passage un pathos larmoyant. Entre deux icônes insurmontables, ce petit être tout frêle se dresse tout doucement. Avec la rage des mots, utilisés jadis par son père, il s’abandonne aux anecdotes intimes et dessine ces douleurs communes. Les mots alignés par Diego Gary ont le mérite d’aspirer à dire la vérité. Sans complaisance, il se montre en homme anéanti au milieu des tableaux, des livres et des photos, prisonnier d’un mausolée familial pesant. Une mère considérée comme une nymphomane par l’époque étriquée, et qui n’était autre qu’une bonté divine, « pain du partage » selon les propres mots de l’auteur/fils. Un père, grand gentleman, à la vie riche, abondante et multiple dont rien ne laissait présager le suicide.

Au-delà de tous ces êtres aimés et disparus, Diego Gary se dessine, sans excuse, une âme de séducteur. De ce besoin vital de séduire, on voit apparaître une filiation claire et nette avec une mère qui ne trouvait qu’une manière de se raccrocher à la vie : enlacer un homme. Diego Gary, lui, a besoin d’enlacer des femmes pour se sentir vivant. Frénésie sexuelle et désastres amoureux planent sur le récit. Ces cataclysmes sentimentaux écrivent les plus beaux passages de cette auto-fiction et reflètent éternellement le visage de deux êtres mythiques. Le visage de deux parents dont la progéniture ne guérira point.

Diego Gary ouvrait son récit par cette tragique vérité : « Mon existence ressemble à une succession de mots rayés jusqu’au sang, biffés jusqu’au la moelle ». Sans doute a-t-il cherché en racontant sa propre histoire à soulager cette vie pleine de ratures incorrigibles. Ce qui est sûr c’est que cette succession de mots rayés jusqu’au sang est passionnante. Passionnante de douleurs intenses et de tragédies inconsolables. Passionnante d’hommage aux êtres aimés. Passionnante parce que ce petit orphelin a enfin compris, aujourd’hui, qu’il avait la vie devant lui.

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Le 16 juillet 1995, Jacques Chirac préside la cérémonie commémorant le 53ème anniversaire de la rafle du Vél d’Hiv. Face à un public composé d’anciens résistants et de survivants de la Shoah, il reconnait la responsabilité de l’État français dans la déportation du peuple juif. C’est la première fois qu’un Président de la république parle ouvertement de ce crime commis par les nazis et secondé par des français. Regarder l’histoire droit dans les yeux pour ne pas l’oublier et pour ne pas la répéter tel était l’écho du discours de Jacques Chirac ce jour-là. Ce discours sera de nouveau sous nos yeux dans quelques jours avec la sortie en salle, le 10 mars prochain, de La Rafle. Un film important sur «ces heures noires qui souillent à jamais notre histoire».

Alors qu’il existe de nombreux très bons films sur la Shoah (notamment La Liste de Schindler, Le Pianiste, Nuit et Brouillard), l’événement tragique de la rafle du Vél d’Hiv’ trouve, quant à lui, très peu d’écho au cinéma. Seul Joseph Losey avec son Monsieur Klein, en 1967, s’était risqué à filmer l’inimaginable : la police française séparant les mères juives de leurs enfants dans le sombre décor du Vélodrome d’Hiver où des centaines de juifs étaient parqués avec pour destination finale les camps de la mort. Parce que relater l’histoire des 16 et 17 juillet 1942 revient certainement à pointer du doigt une certaine partie du peuple français, peu de cinéastes se sont confrontés à cette délicate mission. Il aura fallu 68 ans pour voir éclore sur grand écran un film ayant pour sujet même la rafle du Vélodrome d’Hiver.

Jo, ses copains juifs comme lui et leurs familles, apprennent à vivre dans un Paris occupé, celui de la Butte Montmartre, où ils ont trouvé refuge. Du moins le croient-ils, jusqu’à ce matin du 16 Juillet 1942, ou tout bascule… Du Vélodrome D’Hiver, au camp de Beaune-La-Rolande, de Vichy à la terrasse du Berghof, La Rafle suit les destins des victimes et des bourreaux. Cela fait maintenant quelques semaines que la bande-annonce circule sur la toile. Premiers plans sur le Montmartre des années 40, sa communauté juive, le tout sur une musique d’époque très vite détruite par l’arrivée fracassante de la police française dans la vie de ces français à l’étoile jaune. Certains ne désireront pas voir La Rafle parce que soi-disant c’est le genre de film vu et revu, schéma toujours identique et têtes d’affiches bien trop « stars à la française » (Jean Reno, Gad Elmaleh, Mélanie Laurent). Mais est-il possible de se lasser de cette histoire effroyablement honteuse? L’Holocauste a une résonance universelle, ce n’est pas seulement l’histoire d’un crime contre l’humanité, l’Holocauste est aussi l’histoire de toute l’humanité, de toutes ces persécutions de tous temps qui sévissent partout dans le monde.

Avec La Rafle, la réalisatrice Rose Bosch, ancienne journaliste, a entrepris un véritable travail d’investigation. Sous ses airs de film à devoir de mémoire, La Rafle dissimule trois longues années de documentation, de recherches intenses sur des témoignages de survivants de la Rafle du Vél d’Hiv’ et des camps de concentration. Avec l’aide de Serge Klarsfeld, célèbre avocat surnommé «le chasseur de nazi» pour avoir amené devant les tribunaux Klaus Barbie, Rose Bosch a constitué une multitude de témoignages et d’anecdotes sur le sujet. Ainsi, La Rafle retrace le parcours funèbre de la communauté juive de France à partir de personnages ayant tous réellement existés et d’événements étant tous issus de cette période trouble. Parmi cette réalité redessinée pour les besoins du film : le regard du petit Joseph Weismann, 11 ans, condamné à porter une infâme étoile jaune sur la poitrine. L’histoire contée par les yeux d’un enfant soumis aux erreurs et monstruosités des adultes a souvent, hélas, beaucoup plus de poids dans l’émotion suscitée par les images.

Entre pédagogie et émotion, La Rafle s’avère d’utilité publique. Une piqûre de rappel pour tous ceux qui ont entendu parlé un jour de ces 13 000 raflés du Vélodrome d’Hiver. Une autocritique nécessaire de notre nation dont les erreurs peuvent être à la fois universelles et intemporelles. « Qui ne connait pas cette histoire est condamné à la répéter » se plait à citer la réalisatrice dans ses interviews et il est vrai que derrière ces décors d’un passé indigne résonnent un appel à la vigilance contemporaine. Face à tout ordre immoral, il est toujours possible de faire le choix de désobéir.

Bande-annonce La Rafle

Site Officiel du film La Rafle

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